Reflexiones 1:
La critica Avelina Lesper, comenta que el arte contemporaneo es una farsa, que anta teorización solo esconde una falta de calidad y de rigor de al obra.
Los ejemplos que propone son coherentes y alguno irrefutables, sin embargo creo que los textos son necesarios como una directrises, aunque es cierto que en el diseño y en el cine las obras tienen que sostenerse por si solas pues "es como si un cartel necesitara de otro cartel para explicarse"
"No esperar nada" decía Caravaggio, hacer, crear, pensar, cuestionar, cuando las civilizaciones han estado en crisis, cuando los artístas de manera personal han estado en crisis es cuando sus obras son mas asombrosas, y sino pensemos en una de las obras maestras de la historia como es El extasisi de santa teresa de Bernini... la carnalidad del marmol es un factor sencible potentisimo que en conjunto con idea, la composicion y la ejecución construyen una obra de arte maestra.
Si lo textos ayudan a dar directrises a pensar la obra, el artista no puede dejar de pensar la obra, es necesario que se reflexione no solo la idea sino y quizas principalmente su planteamiento
La obra de arte es pues una idea planteada de manera sensible y creativa, y ejecutada con una alta calidad. Reflejo de nu ser sensible y consciente que busca trascender y vincularse con otros iguales.
Reflexiones 2:
El arte es: Una forma de consciencia... por eso es sorpresivo, poetico, vital, emotivo y completamente intelectual... es un momento eureka. Es bello en si mismo, y por lo tanto no necesita ser estético, la estetica es un accesorio o acento.
Esos instantes son una nueva conección, una nueva via, y por ende son evolución en si mismos, y de la misma manera están ligados directamente al instinto de supervivencia.
El arte es verdaderamente una idea, no el objeto, sin embargo si no hay un registro este instante, se pierde en el tiempo. Por lo tanto nuestra fundamental ventaja evolutiva es el registro que permite conocer vias trazadas y en base a esas trazar las siguientes.
Es por esto que una gran obra deriva de un gran tema.
En algún lugar leí que en lugar de llamarlas escuelas de arte deberían llamárseles escuelas de la vida, y creo que tienen toda la razón, el arte no es una técnica, sino una conciencia que deriva en una capacidad, que se desarrolla en la experiencia y la convivencia.
Una escuela que nos enseñe, no solo a pensar y a cuestionarnos, sino a ser conscientes de nosotros mismos como individuo por y con el otro, en una realidad personal pero al mismo tiempo compartida, siendo una minima parte de un universo. Una escuela que nos enseñe a ser conscientes de dichas relaciones y que fomente nuestro rol.
Mas que el desarrollo de una técnicas es una via de autoconocimiento, un escrutinio constante, cuasi una religión.
Y desde esta perspectiva el primer paso seria jugar, pues como los animales se preparan para la vida jugando, quizas el paso lógico sea ese, iniciar una consciencia personal y del entorno jugando.
USO Y ABUSO DE LOS ICONOS POP Y DEL IMAGINARIO COLECTIVO.
No nos hemos dado cuenta que el uso de "iconos" pop e imaginarios colectivos es la base del arte contemporaneo, y es que la "imagen" es la creación de un imaginario según Ivan de la Nuez, refirendose a Fontcuberta.
Realmente nos encontramos en la era de la imagen, los medios de comunicación masivos son "pantallas" la tv, el Iphone, el Ipod. inter-actuamos con ellas: de manera táctil, o a cuerpo completo por el Xbox, o por reconocimiento de voz. Me parece logico pues que "la cultura visual comienza a sustituir la cultura escrita como fuente de transmisión de saberes en la cultura contemporanea."Ivan de la Nuez. (http://milpalabras.org/joan-fontcuberta/)
Pensemos en como Banksy, tiene tanta difusión mediatica, como sus imagenes son facilmente entendidas o digeridas por mas personas; siendo irónicas, humorísticas y efectivas en su crítica social.
Realmente el poder busca alojarse en la imaginación y/o en el imaginario colectivo, es lógico pues que las dictaduras desarrollen mecanismos de comunicación como, durante la epoca de la dictadura de Franco en España, o la tan conocida capacidad de oratoria de Hitler.
La imagen en esta época es un arma, pues somos unos alienados de la imagen, el fisico, la ropa, la "primera impresión" son factores muy valorados en la actualidad, y quizas no sea necesario soportar estos comentarios con encuestas, basta con salir a un bar y buscar a una chica o chico, lo primero es el fisico, por una serie de factores determinados por el inconscientes, ligados a la proporción del rostro y el cuerpo de la otra persona, que indican diversas cualidades reproductivas de esta (documental de discovery, sobre por que elegimos a nuestras parejas). Y luego de entran en juego otros factores, sociales y personales. (Interesante es que acciones racionales y reflexivas trascendentes puedan ligarse directamente a instintos básicos e inconscientes.)
Si es una chica atractiva fisicamente (en mi caso) aunque no pueda mantener una conversación descente con ella, de igual forma estría dispuesto a acostarme con ella; pero si es una chica poco atractiva y ademas no puede mantener una conversación descente, no me acostaría con ella, y a veces aunque pueda mantener una conversación descente, no me acostaría con ella. Por lo tanto el físico es una ventaja estratégica, de procreación, evolutiva y subjetiva.
Y así como la imagen "fisica" de una persona, el fútbol televisado, los videjuegos, los medios de comunicación masivos y populares como el facebook o el twiter; todos son imagen.
Por esta razón sobre los artístas visuales de esta época, recae una responsabilidad ética de proporciones épicas.
Señales de tormenta.
Toda obra
parte de una reflexión personal del artista que la plantea. Y esto me quedó muy
claro cuando conversaba con Alejandra sobre la obra que presenta en esta
ocasión, y es que después de mucho preguntar y quizás incordiarla un poco me
contaba que: de pequeña, cuando estaba en la escuela no se le permitía escribir
con lapicero rojo, pues con este se indicaba un error, algo que había que
corregir; He de aceptar que me pareció una historia curiosa, y el hecho de que
la vinculara con esta exposición, me indicaba otra perspectiva de la misma.
Sin embargo
deseo comentar mi primera impresión sobre la muestra de Alejandra: En la
exposición se describen numéricamente áreas, que se corresponden con la
extensión de cada uno de los países centroamericanos, a manera de
"stencil" en las paredes del Museo Tecleño, las cuales han sido
realizadas gracias a la contribución desinteresada de personas que entregaron
su sangre a esta idea, una de cada país de Centroamérica; Lo que es una
metafórica forma de entregar su vida a la idea, pudiendo ser una declaración de
intenciones, apoyando la posición de la artísta; siendo esto una particularidad
potente de la obra que por si misma motiva la reflexión sobre esta.
Claro que el
usar sangre como pigmento evidente mente puede referirnos a la violencia y a la
muerte, sin embargo lo importante no radica en el hecho violento, sino en la
reflexión sobre los factores detonadores de situaciones así; y es necesario
destacar que en la propuesta de Alejandra Mejía ninguna problemática se
menciona, no hay referencias directas a estas, pues solamente se delimita áreas
con un pigmento sugerente. Y si a esto le agregamos la anécdota del inicio
pudiéramos entender la pieza como una llamada de atención, nos delimita un espacio
que necesita ser "corregido", y que indica algo dramático, tanto que
necesita ser marcado con rojo de sangre, indicando la gravedad y urgencia
de la solución, de vida o muerte.
Quizás este de
mas recordar que la región centroamericana posee una amplia historia de injusticia
social, guerras de conquista, civiles, de guerrillas, contra las bandas de
crimen organizado, etc. A esto pudiéramos agregar las problemáticas globales en
la actualidad tan diversas, como sobrepoblación, ecológicas, y económicas de
Estados Unidos (que siempre repercuten en nuestra región) y mas recientemente
de la zona euro, etc. Todas estas problemáticas habrán de afectar a nuestra
región en algún momento a manera de efecto dominó, sin embargo como una región
del tercer mundo, poseemos el agravante de que los recursos naturales,
intelectuales, políticos, industriales, etc. pueden no ser suficientes para
hacer frente a los dilemas que estas situaciónes puedan causar.
"La nube
roja", no es el nombre de la exposición, sino de un proyecto del cual
deriva dicha muestra, pero que al haber sido publicitada con este título,
funciona como una metáfora de las problemáticas que se ciernen sobre la región,
y como presagio de una tormenta, que quizás ha iniciado ya en Centroamérica.
Henry Berson
comenta: "Nuestro pasado se manifiesta íntegramente en nosotros, por su
impulso y en forma de tendencia aunque solo una débil parte se convierta en
representación"[1]. Somos pues el reflejo de
nuestro pasado; y por lo tanto en las personas que dan su sangre a esta idea se
encuentra contenido este, para que en la obra se "manifieste" siendo
un recordatorio de que, mientras el olvido predomine los errores del pasado se
seguirán sucediendo, y nubes rojas se cernirán sobre nosotros.
Un ejemplo de
esta problemática lo encontramos en el Museo Tecleño donde se realiza la
muestra, pues el edificio fue una antigua cárcel de presos políticos durante la
época de la guerra civil de El Salvador en los años 80, y de la cual se sabe
muy poco, pues los testimonios y su historia no son de fácil acceso, por lo
cual la obra de Alejandra, en dicho contexto es un gesto que ironiza y
cuestiona esta situación, como un intento de recordar sucesos, cuyos autores y víctimas tienen derecho a
olvidar, pero que impregnan dicho espacio.
Obras que
pudieran sucitar reflexiones similares y que utilizan líquidos
vitales también, son de: Oscar Muñoz (Colombia) y su
pieza "Proyecto para un memorial" 2005 [2], y la obra
de Regina Galindo (Guatemala) "Quien puede borrar las
huellas" 2003[3] Estas obras como la
de Alejandra Mejía podrían entenderse como representaciones
de acontecimientos que no debieran ser olvidados
Desde esta
perspectiva la obra de Alejandra Mejía resalta la región como un espacio vital
que debe corregirse con urgencia; que el olvidar la sangre derramada y los
errores del pasado solo nos lleva a cometer los mismos errores, y que en la
actualidad se ciernen sobre la región problemáticas que no debiéramos
des-atender.
Jaime Izaguirre
Madrid 2012
[1] Bergson
Henry, Memoria y vida, textos escogidos por Gilles Deluze, Alianza Editorial,
3º edición, Madrid 2004.
[2] http://universes-in-universe.org/esp/magazine/articles/2008/oscar_munoz/photos/03/
1 de agosto de 2012.
El dialogo como experiencia significativa.
por: Jaime Izaguirre.
por: Jaime Izaguirre.
Diálogo como arte, registro de la acción: https://www.youtube.com/watch?v=rK3RBwSrqW4&feature=player_embedded
Allan Kaprow fue un artísta que buscó acercar su producción y reflexión artística a la vida; su aporte más conocido fue fundar los happening, y termina su vida dando clases y conferencias a grupos reducidos, cuyos participantes comparten un interés común, creando por ende espacios donde la experiencia puede ser significativa para la mayoría de los participantes. Su forma de trabajar y pensar nos invita a alejarnos del Arte, y trabajar/investigar en la frontera entre aquello que “no-es-del-todo-arte” pero que tampoco “es-del-todo-vida”, y una de las principales ideas que nos da para hacerlo es: “observar la vida y utilizar pautas desarrolladas mediante “una articulación de experiencias significativas para la vida ordinaria”. Uno de sus happenings-talleres fue: barrer el patio del CCCB (taller en Barcelona, 1995) esta acción precisa un desplazamiento mental, ya que barrer sigue siendo una acción cotidiana. En el libro La Educación del Des-artista, se menciona como los readymades de Duchamp tienen este mismo efecto, al re-contextualizarse. Y aunque esto pueda provocar la pregunta ¿a qué se está llamando “vida”?, se vuelve irrelevante cuando hablamos de “experiencia”, es decir de una forma de “vivir la vida”, por lo que éstas han de ser “significativas”, y por lo tanto, ligadas a intereses y obsesiones individuales, las cuales se cultivan socialmente.
Para tratar de dar sentido a esta idea, puede ser necesario proponer una definición de “experiencia significativa”, y para ello se retomará una idea que plantea Canmitzer hablando del aprendizaje artístico y asumiendo su rol como docente: “lo importante es ayudar a una formación ética; a subvertir el pensamiento haragán convencional, que se nutre de los estereotipos y pretende lograr que el gobierno no encuentre resistencias que tomen forma de pensamientos inesperados a compartir el poder creativo de conectar ideas y cosas que normalmente no parecen conectables; se trata de expandir el conocimiento.” Se propone entonces que una experiencia significativa es: aquella que ayuda a subvertir el pensamiento, pretendiendo provocar pensamientos inesperados que nos permitan conectar ideas y cosas que no parecen conectables, que buscan expandir nuestro conocimiento; pero en necesario agregar también, el expandir nuestra sensibilidad, pues no solo somos seres racionales sino también sensibles por lo cual es importante incorporar este elemento a la definición.
El “hacer”, por ejemplo, visto desde una relación rizomática de etimologías y significados lo podemos entender como: una concepción, proceso y/o realización de “algo”, que puede ser material o inmaterial; El pensar y el sentir, no obstante ser procesos inmateriales pero pueden ser percutores de re-acciones trascendentes para el sujeto y en ocasiones para la sociedad. Es por esto que cuando José María Parreño habla sobre como el alumno tiene que “hacer” para aprender; ese hacer, se puede entender como una invitación a “accionarnos”, mental en primer lugar y luego físicamente, provocando un hecho, que puede derivar en la materialización de ese algo o no.
Educación artística.
Pero, ¿qué se necesita para crear experiencias significativas?, Frente a esta pregunta se retoma un comentario de Luis Camnitzer, sobre la educación artística: “ …hay que preparar al futuro artista para lo que le espera y equiparlo lo mejor posible analizando esa realidad, y ayudándole a funcionar en ella (…) tenemos la responsabilidad de desmitificar la realidad, de ponerla en el contexto socio-económico correcto y relativizar su importancia en términos de utilidad pública” , Esta educación que plantea Camnitzer tiene como eje el análisis de la realidad y su desmitificación, y esto se revela más complejo cuando el autor habla de provocar en el alumno una conciencia ética, a manera de “prostitución reversible” usando lo que él llama “cinismo ético”, en el cual de forma general plantea: Luego de haber definido los intereses particulares del estudiante, se le tiene que exponer cómo funciona el medio artístico, para que este utilice los medios a su disposición para potenciar sus intereses, siendo éticamente coherente con estos, usando la “corrupción sin corromperse”.
En el libro consejos a un joven poeta, escribe Max Jacob escribe: “yo fundaría una escuela de vida interior y colgaría en su dintel este rotulo: Escuela de Arte” Esto induce a considerar que la complejidad de la “educación artística”, no se limita al plano académico, sino que se inserta en la vida particular del estudiante y del docente; Parreño habla de “cultivar obsesiones”, lo que es posible poner en paralelo con lo que plantea Camnitzer, y es esto lo provoca pensar en los procesos educativos y puntualmente en el “aprendizaje” más que en una “educación” ya que es posible inferir que en estos procesos, según lo antes mencionado, quien marca la diferencia no es el docente sino el estudiante, partiendo como ya se menciono de sus particularidades, intereses y obsesiones, que definirán el proceso y por lo tanto el hecho.
Sin embargo el rol del docente es determinante, pues como dice Rudolf Arneheim: “un buen trabajo (...) se logra cuando se despierta la curiosidad natural del estudiante, cuando se moviliza el deseo de solucionar problemas y de explicar hechos misteriosos, cuando se le estimula la imaginación a proponer nuevas posibilidades”. Ya que, como menciona Hito Steyeld, en ¿Una estética de la resistencia?: “un hecho es resultado de un proceso de producción (…) Así pues, en este sentido el hecho se fabrica e incluso se inventa”. En esa línea de ideas, es el docente quien puede potenciar este proceso fabricado o inventado.
Basándonos en los textos e ideas planteadas por: Joshep Beuys, Allan Kaprow y Luis Canmitzer, hemos de deducir que en sus clases o charlas se sugiere lo anterior, pues se da la ocasión para provocar experiencias significativas, sin embargo no todas estas dejarán un registro material trascendental que pueda ser consultado por personas ajenas a esta situación; No obstante, es probable que en los participantes si quede un registro sensible y racional trascendente. En estas charlas hay una cantidad limitada de participantes congregados en un espacio determinado, lo cual es necesario destacar, pues se reúnen a razón de un interés común que se comparte en ese momento; es decir algún tipo de “relación” que genera un “espacio”, el cual es primeramente mental, pero que en la actualidad puede ser físico o virtual.
Bourriaud en su libro Estética Relacional hablando sobre espacios relacionales menciona: “creación o exploración de esquemas relacionales, estas constituyen micro-territorios relacionales fijados en el espesor del socius contemporáneo; experimentos mediatizados por superficies u objetos” ; estos se ven determinados por el contexto y la época en que se realizan, ya que el individuo responde a los códigos y problemáticas de éstas, las cuales añaden o suprimen particularidades; siendo como dice Juan Jesús Torres (un amigo): “el arte contemporáneo es el arte que solo se puede hacer hoy”. Se habla pues, de espacios y hechos predominantemente presentes, con bases en el pasado y con una visión a futuro, pues pretenden ser constructores de experiencias significativas que aporten a la persona.
Siendo necesario enfatizar en que existe un espacio físico o virtual, pero principalmente mental compartido, en el cual se da la experiencia significativa, y todos estos factores no dependen del Arte sino que se encuentran insertos en la vida misma. Es decir, que ha existido un desplazamiento del pensamiento, en los artistas antes mencionados donde el arte no era tan importante para ellos, como el mismo kaprow menciona en repetidas ocasiones, sino la provocación de experiencias significativas.
Sistemas educativos mercificados:
Pero al hablar del docente es necesario reflexionar sobre los sistemas educativos, pues éste responde a los referidos sistemas; Y desde una experiencia personal me parece oportuno (en este momento) el comentario de Steyel cuando menciona que los sistemas educativos artísticos cada vez están más “mercificados”, lo que se podría considerar, como percutor de un grave problemática, que nubla el enfoque de la “educación artística”, ya que pareciera que esta se plantea, desde el medio artístico para el alumno y no desde el alumno para el medio artístico.
La problemática de esto radica en que, de la primera forma (desde medio artístico al alumno) se le entregan una gran cantidad de datos y habilidades al alumno, que aunque pueden estar relacionados a ciertos intereses temáticos, técnicos, etc. son externos, no necesariamente están vinculados a su vivencia particular; lo cual puede provocar que se entienda el “Arte” como algo externo, como una especie de objeto de estudio y/o de reflexión, como sucede con un teórico por ejemplo.
Esta situación cambia cuando se presenta la dinámica desde el alumno al medio artístico, ya que sus obsesiones e intereses particulares y su vivencia, son sus puntos de partida, los cuales mediante su cultivo podrían producir particularidades individuales que le permitan destacar en el medio. Así pues, si además al alumno se le ayuda no a conocer sino a “analizar la realidad ayudándole a funcionar en ella” como menciona Camnitzer, es posible que el “arte” no sea percibido por el futuro artista, como un objeto de estudio, sino como parte intrínseca de su vida.
Así como en los sistemas educativos, las instituciones artísticas se ven envueltas en esta “problemática”, ya que a lo largo de más de un siglo se han desarrollado escritos, definiciones, manifiestos, tratados y teorías sobre el arte; y durante el cual han surgido figuras como el curador, comisario, gestor, teórico, etc. Los cuales han hablado y siguen hablando por los artístas, algunos asumiendo en ciertos casos el rol de estos, permitiendo que algunos “artistas” pierdan la voz; convirtiéndose ellos (los comisarios, curadores, gestores, etc.) en los legitimadores del arte ante las instituciones, y por lo tanto en filtros de lo que se puede “institucionalmente” llamar Arte, potenciando así, que se hable de teoría del arte en lugar de hablar de arte.
A pesar de lo anterior la problemática no es el rol que está cumpliendo el crítico, comisario o teórico, sino la falta de horizontalidad que puede existir en las relaciones, por ejemplo, entre el artista joven y el comisario institucional; el primero quizás por su falta de experiencia en el cultivo de sus intereses y conocimiento sobre el funcionamiento del medio artístico, y el segundo quizás por su responsabilidad para con la institución. Esta dificultad la he sorteado más de una vez y la conozco, es por esto se usa este ejemplo; sin embargo es probable que existan otras, relacionando otros sectores del medio artístico. Lo que provoca una no-horizontalidad del dialogo, enfatizada, (para el ejemplo anterior) por una deficiencia en el aprendizaje artístico.
Diálogo y propuesta artística:
Tal como ya se ha sugerido anteriormente, que para lograr estas experiencias significativas, es indispensable el diálogo; Por ejemplo: el artista que no se preocupa por provocar diálogos entre el otro y su propuesta, puede encontrarse con problemas para que el otro acepte dicha propuesta como arte, ya que depende de ese otro, profesional o mediatizado, en conjunto, la validación de dicha propuesta como arte o no. Es desde esta perspectiva que es necesario considerar que el artista no hace arte, sino propuestas artísticas.
Ahora bien, apelar al otro u otros puede parecer un problema debido a la diversidad de pensamientos que esto implica, pero en este caso no; ya que todos los públicos son reducidos, y esto implica que cada persona posee unos intereses y vivencias particulares que le lleva a decidir acercarse a ciertas temáticas, las cuales pueden ser comunes a la propuesta artística planteada, por lo que, aunque sean planteamientos abiertos con intenciones dialógicas, no tienen por qué pretender abarcar a un gran sector de la población o de la sociedad, lo cual tampoco sería contraproducente, pero quizás podría ser más complejo, ya que estamos apelando en gran parte a subjetividades.
Pero, ¿Qué es “diálogo”?, hemos de entenderlo pues como un complejo proceso social de interacción, transmisión y negociación, el cual no es solo comunicación, sino un proceso más trascendente y significativo para los interlocutores, que les implica una comprensión mutua y una paridad de derechos, responsabilidades y condiciones entre las partes; es decir que ambas poseen las mismas cuotas de poder, y ambas se construyen mutuamente desde éste, propiciando un vinculo racional y emocional entre ellos.
Para que se dé el diálogo es necesario que exista, entre estas partes, un vínculo, pues en este solo participan los interesados, me refiero a que se vuelve limitado, sin que por esto sea un espacio cerrado, dotándolo de la virtud de pluralidad y singularidad al mismo tiempo.
Es entonces, una situación construida, que se puede convertir en deriva, a veces argumentativa pero también, inventiva, exploradora y creativa, cuya fluidez puede excluir una rigidez doctrinal, siendo cada diálogo una posibilidad de subversión, con la capacidad de provocar un cambio individual que puede repercutir en lo social.
Todo lo antes comentado es un apelar al diálogo con todo lo que este implica, para provocar experiencias significativas a los involucrados, usándolo no solo como estrategia artística en una propuesta o en el medio artístico, sino como una estrategia vital que provoca un espacio físico o virtual, pero también mental compartido, en el cual, se da la experiencia significativa que deviene de un diálogo entre pares, permitiéndonos vivir la vida desde perspectivas individuales pero al mismo tiempo compartidas.
Referencias:
Kaprow Allan, La educación del des-artísta, árdora express, Madrid 2007.
Bourriaud Nicolas, Estética relacional, “arte-ensayos”, Buenos Aires, Argentina, 2006.
HYPERLINK "http://www.gerardopulido.com/publicaciones" http://www.gerardopulido.com/publicaciones, Pulido Gerardo, el aula de Camnitzer, Revista Incubo, N° 3, 2008. Enero 14 2012.
Parreño José María, Aprendizaje como práctica artística, conferencia inaugural del Curso 2011-2012 del Máster en investigación en Arte y Creación de la Facultad de Bellas Artes UCM
Steyerl Hito, ¿Una estética de la resistencia?, la investigación artística como disciplina y conflicto, traducción Malo de Molina Martha.
HYPERLINK "http://eipcp.net/transversal/0311/steyerl/es" http://eipcp.net/transversal/0311/steyerl/es 14 enero de 2012
HYPERLINK "http://laberintosvsjardines.blogspot.com/2009/04/allan-kaprow-18-happenings-in-6-parts.html" http://laberintosvsjardines.blogspot.com/2009/04/allan-kaprow-18-happenings-in-6-parts.html Iglesia Luis María, 8 de enero de 2012
HYPERLINK "http://www.madc.cr/joomla151/index.php/expos/esposiciones-anteriores-topmenu-76/222-luis-camnitzer-muestra-antola" http://www.madc.cr/joomla151/index.php/expos/esposiciones-anteriores-topm
Cuando se habla de arte a veces se habla de algo más.
VPCR UNA MUESTRA DE ARTE POLÍTICO
Por Jaime Izaguirre
El arte contextual como lo define Paul Ardenne en su libro Un arte contextual es el que: “agrupa todas las creaciones que se anclan en las circunstancias y se muestran deseosas de “tejer con” la realidad”, y con esta definición es posible sobreentender que, al comentar sobre las circunstancias de la realidad, se realiza un acto intrínsecamente político en el sentido más amplio de esta palabra.
La muestra “Video Políticas de Construcción y Reacción” VPCR, se estructura como un comentario sobre problemáticas sociales, que se conforma por propuestas realizadas en base a opiniones y reflexiones de los autores planteadas de manera estética en las obras; pero también en base a opiniones y selecciones del equipo curatorial que estructura dicha muestra, entablando un diálogo con el espacio, y destacando algunas problemáticas sociales actuales del contexto salvadoreño y regional.
El espacio en que se muestra, el actual Museo Tecleño MUTE, fue la cárcel municipal de Santa Tecla, que durante la guerra civil en El Salvador en la década de los años ochenta, se convierte en un recinto para presos políticos es decir, un recinto para la represión de ideas; y que en la actualidad se ha transformado en un escenario para la promoción y reflexión de estas. Y que para esta ocasión se presentan en el formato de obras de arte, en la exposición VPCR, mostrando obras que abordan diversas problemáticas sociales y políticas de maneras implícitas, metafóricas, e irónicas.
Es necesario destacar que se expone en la sala Farabundo Martí, quien fue un revolucionario salvadoreño y centroamericano de los años veinte e inicios de los treinta, y que fue ejecutado en 1932 por que apoya la subversión del 32 en la cual también se ve relacionado Feliciano Ama con el levantamiento indígena del mismo año. Este acontecimiento pasa a la historia por la brutal forma en que fue aplacado, por el dictador de turno Maximiliano Hernández Martínez, es a esta represión a la que luego se le conoció como la “matanza del 32”, de la cual no se saben con exactitud la cantidad de muertos.
También es usando el nombre de Farabundo Martí que en los años ochenta se genera una alianza de guerrillas que pasa a ser la más importante durante el conflicto armado y que en los acuerdos de paz, se convierte en el partido de izquierda, el cual luego de 20 años por fin alcanza la presidencia del país.
Este conflicto armado, que deriva de una represión histórica hacia las clases sociales más bajas, y que desborda en los ochentas, ha dejado secuelas en la población salvadoreña, que durante el tiempo de la post guerra no han sido debidamente atendidas, y que en gran parte son las responsables de la situación de violencia en la que se encuentra sumergido El Salvador actualmente.
Farabundo Martí es, como se refleja en esta breve referencia histórica, un símbolo de la lucha por una mayor igualdad social y mejores opciones para un pueblo oprimido, en su época por poderes oligárquicos y político-partidistas; y que en la actualidad han sido relegados por la violencia y criminalidad en general, representada por las Maras, pues son estas a las que se les culpa por casi todos los hechos delictivos del país, en los medios de comunicación; pero que en realidad, y como se menciona en el video de los miembros de Maras dirigiéndose al pueblo salvadoreño, hay personas y grupos con mucho poder e influencia en esta situación, que no están necesariamente ligados a las Maras, y queda claro cuando
comentan que los mayores narcotraficantes de El Salvador están relacionados a los partidos políticos.
Lo anterior es un ejemplo claro de que existen poderes políticos y económicos que no podemos reconocer fácilmente; y esto se puede relacionar con la metáfora visual que Alejandra Mejía presenta en su animación, en la que se ve como unos tanques se insertan en un hormiguero, siendo esto una alusión a los agresivos poderes que no son fácilmente percibidos y que sin embargo pueden ser sumamente violentos.
Así también, en el video de los “mareros” (como se les llama popularmente) se puede entender como estos, no son más que peones dentro de un aparataje de poderes mucho mayor, idea que se puede relacionar a otra obra de la muestra en la que unas parejas de soldaditos de juguete que bailan siendo manipulados por una mano invisible, y son desarraigados del estereotipo al que representan dejando claro que son solo juguetes.
Como estas relaciones se pueden realizar muchas más, y no solo entre las obras sino también con relación al espacio; ya que este, al haber sido usado para la represión de ideas, y más específicamente, utilizando una sala nombrada en honor a un personaje que luchó contra la represión y por una mayor igualdad social, la muestra intrínsecamente hace parte de una herencia de la resistencia, ante una realidad aun, sumamente problemática.
Es posible decir entonces, que la muestra representa una lucha, pero no contra un poder político-partidista como fue en el siglo pasado, sino contra una realidad dramática y obvia que necesita ser percibida a profundidad, para lo cual es necesario que sea reflexionada, no solo por las autoridades sino por la población en general, ya que como entes políticos y sociales todos tenemos parte de responsabilidad en la realidad salvadoreña actual.
Es así, como las propuestas artísticas contemporáneas que se presentan en la muestra VPCR, en medio de su singularidad y/o extrañeza y belleza, no hacen más que invitarnos a mirar, y a reflexionar sobre las problemáticas que estas obras señalan con sugerencias, metáforas, asociaciones e ironías que incitan a ver más allá de las imágenes.
Catalogo virtual:
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Manual para hacer arte. (2011)
Manual para hacer arte, inconvenientes en la producción artística contemporanea Salvadoreña
http://www.ustream.tv/recorded/17566530
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